Reseña Sentient Panini

Reseña Sentient Panini

Hoy analizamos Sentient, una de las dos primeras obras que ya se han publicado en España de la editorial TKO studios bajo el sello evolution comics de Panini. Este nuevo título de Jeff Lemire y Gabriel H. Walta, que se puso a la venta hace poco más de un mes llamó la atención por sus autores y, junto a Sara de Garth Ennis, se convirtió en uno de los cómics más destacados de finales de 2020.

TKO studios

TKO fue fundada en 2017 por Tze Chun y Salvatore Simeone y desde su creación se ha caracterizado por lanzar miniseries de seis números. Todas estas series son autoconclusivas y están pensadas para ser, posteriormente, recopiladas en volúmenes como el que estamos reseñando.
El plantel de autores que ya ha trabajado con la editorial es de una calidad incuestionable, muchos de ellos con bastante experiencia en el mundo del noveno arte como el propio Lemire, Steve Niles, Joshua Dysart, Jordie Bellaire o Steve Orlando. Por lo que esperamos que muchas de las obras realizadas por estos autores vayan llegando, poco a poco, a nuestro país.

Argumento de Sentient

La historia nos sitúa en 2105. En este futuro la Tierra está al borde de la destrucción y muchos de sus habitantes se están dirigiendo a través del espacio a diferentes colonias que se están fundando como consecuencia del desastre que se avecina para nuestro planeta. Este contexto caótico ha provocado la aparición de grupos radicales separatistas que quieren desligarse por completo de la población terrícola.

Lemire usa este telón de fondo para centrar la acción en la U.S.S. Montgomery, una nave colonia en la que viajan diferentes familias con el objetivo de llegar a los nuevos asentamientos establecidos por el universo. Durante el transcurso de la travesía un trágico suceso deja a un grupo de niños totalmente desamparados en medio del cosmos.
Sin adultos que puedan ayudarlos, la única posibilidad de supervivencia para ellos será la inteligencia artificial del carguero, llamada Valerie.

Sentient

Guion de Sentient

Lemire plantea un argumento, que pese a contar con un contexto interesante y no del todo original, resulta bastante sencillo en su desarrollo. Se trata de una obra que no arriesga y está influenciada por grandes producciones enmarcadas en la ciencia ficción como Alien: el octavo pasajero o 2001: una odisea en el espacio, explorando conceptos como la familia o las relaciones humanas.

La evolución de los personajes, por su parte, es orgánica y no presenta excesiva complejidad ya que estamos ante una aventura que solo se extiende a lo largo de seis entregas. Además, aunque en varias ocasiones podamos pensar que esta historia tiene potencial suficiente como para haberse desarrollado más extensamente, lo que podemos encontrar en este volumen sigue siendo muy disfrutable.

El guionista canadiense crea un suspense y una tensión que se palpa en todo momento, proporcionándonos una sensación de incomodidad en algunas partes de la trama que nos mantiene pegados a cada página y eso no siempre es fácil de conseguir.

Apartado artístico

Pero si algo destaca en esta miniserie es el dibujo y el color de Walta. El artista granadino mejora con cada trabajo que realiza y en esta aventura sigue estando espectacular. Su estilo, más cercano al europeo que al cómic americano, consigue elevar la calidad de dicha obra, con un nivel sobresaliente en narrativa, detalles en cada viñeta y expresión de los personajes. El autor granadino hace su arte totalmente reconocible, apoyado con un color en acuarelas poco habitual en el mercado estadounidense.

Conclusiones de Sentient

El equipo creativo con el que contaba este tebeo ya merecía nuestro interés.  Y, a pesar de que Lemire tiene capacidad de sobra para crear una historia mucho más elaborada, las circunstancias, al ser una obra de encargo, han provocado que nos transmita la sensación de que el argumento podría haber dado mucho más de sí.

La mayoría de conceptos con los que juega el autor de Gideon Falls están muy bien planteados pero con más tiempo para desarrollarlos estaríamos hablando de una obra con otro resultado. Aun así, estas apreciaciones no deben desmerecer a este volumen que sigue siendo muy acertado para los amantes de la ciencia ficción y, en general, consigue ofrecer un producto muy decente en cuanto a guion y sobresaliente en el apartado gráfico.

Todo es inflamable, de Gabrielle Bell

Todo es inflamable, de Gabrielle Bell

Hoy vamos a reseñar una obra titulada Todo es inflamable. La Cúpula retoma la publicación de las historias de Gabrielle Bell, una autora que utiliza sus obras como terapia para intentar abrirse al mundo y reconocer su más que frágil estado emocional con sus idas y venidas de cuadros depresivos y crisis de ansiedad frecuentes.

Gabrielle cruza el país, de Nueva York a la California rural de su infancia, para cooperar en la reconstrucción no solo de una vida expuesta, sino de su propia biografía. La causa es el fuego: un incendio ha reducido a cenizas la casa de su madre.

Todo es inflamable. Argumento.

Todo es inflamable es una historia autobiográfica donde la autora nos muestra la relación con su madre. Siendo ambas dos mujeres con un complicado pasado y un tanto maniáticas (en el fondo todos los somos un poquito, ¿no creéis?). 

Por culpa de un accidente fortuito madre e hija se fortalecerán la una a la otra, reencontrándose emocionalmente y mostrándonos por el camino una realidad repleta de combates cotidianos llena de tedio, como por ejemplo el recuperar y renovar papeles.

También veremos cómo la autora repetirá ciertas conversaciones o momentos en su cabeza durante la noche. De esta manera crea un bucle mental consigo misma, mostrando así al lector sus inseguridades y la forma que tiene de lidiar con ellas. En definitiva no es más que un acto de sinceridad y desnudez en el que todos podemos vernos reflejados en algún que otro momento de nuestras vidas.

Ahí reside una de las grandes virtudes de la autora: la capacidad de transformar lo común y corriente en experiencias únicas, enmascarando en parte el género autobiográfico y usando el “humor” de una manera muy especial.  

En Todo es inflamable, la autora no se esconde ni suaviza su difícil personalidad. Se retrata a sí misma como insegura, en ocasiones arisca, gruñona y todo ello lo va intercalando en las experiencias del día a día.

Apartado gráfico.

En el aspecto gráfico tenemos un dibujo de trazo sencillo sin alarde de detalles muy propio del cómic independiente y una organización de viñetas basada en una cuadrícula de dos por tres viñetas. Este aspecto cíclico en cuanto a estructura resulta hipnótico y muy acertado, convirtiendo la lectura del tomo en una experiencia muy satisfactoria e interesante.


Edición.

Edita La Cúpula en una edición en rústica con papel grueso en sintonía con esa sensación de cuaderno de viaje unido con retazos de diario íntimo. Esperemos que la editorial siga publicando el resto de la obra de esta autora ya que es una de las mayores exponentes del cómic de género autobiográfico underground del momento.

Francisco José Arcos Serrano.

El Don Isaac Sánchez Dolmen Editorial

El Don Isaac Sánchez Dolmen Editorial

Tras El regreso del hombre pez y la trilogía de Taxus, Isaac Sánchez, regresa con una nueva obra llamada El Don, de la que no hemos sabido prácticamente nada hasta casi el momento de llegar a imprenta, y es que en este aspecto el autor como la propia editorial se han encargado de que la naturaleza y génesis de la obra quede envuelta por un espeso halo de misterio y sorpresa.

Argumento de El Don.

Nadie sabe cómo empezó, ni de dónde surgió. Y sin embargo, está pasando. La sociedad se enfrenta a una nueva enfermedad, una plaga que dota a los infectados de habilidades sobrehumanas. Popularmente se conoce como “El don“.

Un don que nadie quiere tener, pues tarde o temprano consume la vida de aquellos que son contagiados.

Esta enfermedad se interpondrá en las vidas Edu y Patri, una pareja que sobrevive en un barrio humilde de Alcorcón, cambiando su mundo para siempre.

Aquí tenemos una historia que se apoya en clichés del género pijamero…pero que, gracias a varios recursos que utiliza con acierto el autor, convierte a este cómic en algo diferente, detalle que todos los aficionados al género ansiamos cuando nos fijamos en un título en concreto.

Quiero pensar que la realización de estas 200 páginas durante la pandemia ha sido terapéutica para su autor y que ha supuesto una manera de sacar algo positivo de una compleja y fatal situación, como pocas hemos vivido anteriormente.

Isaac Sánchez nos ofrece un auténtico thriller de acción con una fuerte carga de crítica social, todo ello bajo el prisma del género superheroico para terminar de llevarlo a su terreno con resultados muy satisfactorios.

El Don


Apartado gráfico.

El estilo del autor parte de influencias que van desde Loisel, Will Eisner, Mignola, Azpiri o Carlos Giménez para llegar a un resultado tremendamente suyo, donde las potentes secuencias de acción son uno de sus puntos fuertes, con una excelente y muy bien planificada composición de viñetas y páginas.

También encontramos una habilidad cada vez más notable con respecto a obras anteriores para moverse en la narración del ‘slice of life’, donde los matices y detalles cobran sentido emocional para el lector.

No podemos pasar por alto el uso de una paleta cromática muy vívida y el recurso que se puede apreciar conforme avanza la historia con un uso del color que se va degradando y volviendo cada vez más oscuro (este contraste se puede apreciar mucho mejor en el lomo con el tomo cerrado).



La Edición.

Se integran en el tomo varios interludios en los que distintos personajes narran sus múltiples hipótesis sobre el origen de la epidemia, hechos por las autoras Cristina Charneco, Mérida Miranda, Julia Madrigal, y Sara Jotabé.

La edición en cartoné por parte de Dolmen es excelente. Gran tamaño e impecable reproducción de los materiales redondean lo que es, sin lugar a dudas, uno de los mejores cómics del 2020.

Valoración.

En definitiva: El Don es una historia intensa y arrolladora que avanza a ritmo frenético y que cuenta con un trasfondo que seguramente sorprenda a muchos con una profundidad y realismo inesperados, convirtiendo todo ello en otro prometedor paso adelante en la carrera de Isaac Sánchez como historietista. No os la perdáis.

Francisco José Arcos Serrano.

Doctor XY David Cercas Javier Orabich

Doctor XY David Cercas Javier Orabich

Comenzamos el año reseñando Doctor XY , un cómic guionizado por David Cercas y dibujado por Javier Orabich publicado por la Asociación exTreBeo.

Los origenes de Doctor XY.


La primera aparición de este personaje tiene lugar en el fanzine Harto,de la Asociación exTreBeo. Estamos ante una historia de 4 números.
Estamos ante un superhéroe cuyo fin es combatir el mal y cuyo aspecto visual es bastante clásico, pero no por ello menos efectivo.
Un traje de neopreono, una máscara, dos bastones y unos poderes de teleportación con un sonoro «Bamf» que recuerda a cierto personaje de la Patrulla X.

El contexto del personaje.

El Doctor XY se mueve en un ambiene urbano en donde la maldad y la violencia están a la orden del dia.
Lo mismo tiene que hacer frente a un ratero o un par de ladrones como se puede ver frente a amenazas mucho más poderosas.
Y es aquí donde vamos a ver el punto fuerte del personaje: Tiene el poder de erradicar el mal en sus enemigos.

Doctor XY

Aquí entraríamos en un debate sobre el libre albedrío, la posibilidad de que el villano de turno pueda reinsertarse o haya que eliminarle por el bien de la sociedad.
La pregunta es quien decide eso, si el Doctor XY tiene la capacidad de alterar la personalidad de la gente, si este poder lo usa de forma indiscriminada o solo cuando está justificado.
Estamos ante un justiciero, un vengador, un vigilante.. lo cierto es que el personaje tiene una serie de posiblidades por explotar bastante interesantes.

Por otro lado, nos plantea la duda de si el mal es erradicado para siempre, con lo cual estariamos ante una serie en donde habría que crear enemigos nuevos continuamente o por el contrario, el mal erradicado podria volver a aparecer.

Lo dicho, estamos ante una idea con bastante potencial.

Valoración.

Como aficionados al cómic es interesante estar al tanto de las nuevas creaciones que se lanzan en España. Estamos ante un personaje interesante, con unos poderes bastante originales y a la vez con un aspecto muy clásico. Y es que una cosa no es incompatible con la otra.



Reseña Space Riders

Reseña Space Riders

Hoy dedicamos reseña a Space Riders, una obra originalmente publicada en USA por la editorial Black Mask y que a España nos llega de la mano de Ediciones Gigamesh en un par de volúmenes donde se recogen las dos miniseries de las que consta actualmente esta colección. Ambos tomos, con el arte de Alex Ziritt, creador principal de esta historia, y guiones de Fabian Rangel Jr., se han puesto a la venta de forma simultánea. Aunque agrupa arcos argumentales distintos, recomendamos leer conjuntamente.

Black Mask

Pero antes de entrar en el análisis de Space Riders , creemos oportuno dedicar unas cuantas líneas a la editorial que acogió finalmente este proyecto. Black Mask nació en 2012 publicando Occupy Comics, un tebeo donde se recopilaban breves relatos realizados por autores de renombre.

Estos daban su visión del movimiento Occupy Wall Street. Tras dicha antología, esta joven editorial puso a la venta varias miniseries como The Dregs, 4 Kids walk into a bank e incluso otras que recientemente han llegado a nuestro país como Loud de María Llovet, o la propia Space Riders. Esta última, de la mano de Gigamesh, quien poco a poco se está adentrando en el mundo del cómic.
También han publicado algunas obras de Brian K. Vaughan pertenecientes a Panel Syndicate como Barrera o The Private Eye. Siguen así, ampliando su catálogo y ofreciendo historias especiales y muy originales que proporcionan variedad a este mercado siempre saturado del mainstream superheroico.

Argumento

La historia, en la que colaboran de la mano Ziritt y Rangel Jr., es una Space-opera clásica que, pese a nos sorprender en el guion, sí lo hace en el dibujo, su aspecto más destacado.
En esta aventura espacial conoceremos a la tripulación de una nave con forma de cráneo, esa que aparece en la portada del primer volumen, dirigida por el Capitán Peligro, miembro de un cuerpo de policías espaciales que se encargan de proteger el universo de cualquier amenaza. Junto a nuestro protagonista, desafilaran una miríada de secundarios a cual más carismático como Mono, Doña Bárbara o Yara.

Sobre la obra

 El argumento deja a un lado cualquier pretensión de complejidad, y, aunque, profundiza en algunos personajes, ofrece la información justa para que nos importen y justifique sus motivaciones o acciones en la trama. Todos los sucesos que se desarrollan en ambos volúmenes, correspondientes a los dos primeros arcos argumentales de la serie, se suceden frenéticamente sin darnos un momento de respiro, pero contándonos en pocas páginas hechos pasados muy relevantes.

Además, esta epopeya espacial está cargada de referencias a la cultura popular, presentándonos momentos típicos del género que cualquier fan de la ciencia ficción reconocerá al instante, todo ello con un estilo underground muy bestia repleto de violencia y palabras malsonantes. 

Apartado artístico

En lo que se refiere al arte, se nota el cariño que ha puesto Alexis Ziritt como ideólogo principal de este universo. El dibujo en esta obra es su principal atractivo y no podemos imaginarnos otro artista mejor que Ziritt para materializar esta historia y sus momentos más espectaculares. El apartado artístico destaca en todos sus puntos, desde su trazo grueso y vibrante, pasando por la cantidad de detalles que presenta cada página o su narrativa, hasta el uso del color, con el que se crean algunas estampas psicodélicas verdaderamente potentes.

Las influencias de autores como Jack Kirby están por todas partes, reconociéndose, sobre todo, en elementos concretos que abundan en ambos volúmenes y recuerdan a las Kirby Dots, esos característicos puntos negros de diferentes tamaños que otorgaban fuerza y energía a los personajes o escenarios. Mención aparte debemos hacer a las portadas, no solo las que se han utilizado para los dos volúmenes publicados en nuestro país, razón por la que me fui de cabeza a por esta serie, sino también las interiores, un espectáculo visual acorde con el estilo que sigue toda la colección.

Space Riders

Edición

La edición por parte de Gigamesh es muy correcta, ofreciéndonos ambos arcos argumentales en dos tomos cartoné en los que se incluyen como extras algunas portadas alternativas creadas por artistas muy variados. Además, se ha reproducido el mismo efecto desgastado de las páginas que presenta la versión original estadounidense, simulando un efecto de desgaste y humedad realmente acertado para esta obra.  Actualmente, ya se ha publicado en USA la tercera parte de esta colección con el subtitulo de Vortex of Darkness, de nuevo con Alexis Ziritt en el arte, pero esta vez acompañado de un guionista diferente. Por lo que no debería tardar la llegada de un volumen más que completaría los anteriores.

Conclusiones

En una de sus entrevistas, Ziritt explicaba que para él Space Riders es aquel cómic de 1 dólar que se encontraba siempre en la tienda de tebeos apartado del resto de colecciones habituales, un número suelto, que al abrirlo, te dejaba tan sorprendido que al final acababas comprándolo. Esto mismo creo que llega a transmitir con esta obra. Una historia, que pese a enganchar por sus portadas, te sorprende con una aventura llena de acción, mala hostia y los estereotipos propios de la ciencia ficción. Un coctel explosivo del que surge uno de los títulos más interesantes de este año.

Baltzar el arte de la guerra

Baltzar el arte de la guerra

Hoy traemos una de las primeras publicaciones de Arechi. Hablamos del primer tomo de Baltzar el arte de la guerra, de Nakajima Michitsune.

Éste manga de corte bélico se publica originalmente en la revista Comic Bunch de la editorial Shinchosha.
La autora ya ha realizado otras series de corte histórico y bélico  como Sekiheki Strive o Gishi Bunteiten Kenan Maestro, y lleva casi 9 años dedicada a Baltzar, de la que actualmente en Japón llevan editados 12 tomos.

Baltzar

Contexto de Baltzar

Baltzar es una serie totalmente ficticia pero realista en la recreación y ambientación del siglo XIX europeo. La autora se basa en las referencias de los conflictos entre el Imperio Austriaco y  Prusia dentro de la Confederación Germánica y en ese sentido hace una gran labor en cuanto a las ilustraciones en vestuario, armamento, funcionamiento del ejército etc.

Argumento de Baltzar

Baltzar nos presenta a un alto comandante militar del mismo nombre nacido en Weissen, una de las mayores potencias militares del mundo, al que su país destina a la Academia militar de Baselland, país aliado con la intención de supervisar la instrucción de los jóvenes soldados destinados a servir en el ejército.
Cuando llega a su destino, descubrirá que tanto los cadetes como los instructores han relajado demasiado la disciplina y las técnicas de combate y armasq se utilizan están demasiado anticuados, por lo que deberá proponer un plan revolucionario que haga mejorar la preparación del ejército de Baselland.

Nos encontramos ante un tomo sobre todo de presentación de personajes y donde la autora nos va a poner en el punto de partida de lo que está por venir, planteando la problemática de un ejército mal preparado y con los instructores reacios a acatar las nuevas ideas y métodos de Baltzar, lo que va a generar situaciones de tensión. Además , también tendrán que lidiar con el descontento del pueblo de Baselland, harto de que utilizen sus tierras como blancos en las prácticas de tiro de la artillería.

Aunque es un primer tomo de presentación, realmente no ocurre gran cosa mas allá de plantear la base sobre la que va a girar toda la trama, y eso repercute en la agilidad de la lectura, la cual se me ha hecho algo lenta, algo que no es obice para reconocer el gran trabajo que ha hecho la autora, siendo un primer tomo más que recomendable.

Apartado gráfico de Baltzar

En el apartado gráfico nos encontramos el punto más fuerte de la obra , donde brilla el gran detallismo en los uniformes, el armamento y la recreación del período histórico que trata a pesar de ser totalmente ficticio como comentaba al principio.

Cabe destacar la gran expresividad que logra en los rostros de los personajes, mientras que en edificios y paisajes opta por la sobriedad, haciendo del apartado gráfico un cruce interesante entre los codigos del seinen y la narrativa propia del comic europeo.

Conclusiones sobre Baltzar

Nakajima nos plantea una historia del siglo XIX que resulta muy interesante por los códigos que maneja en juegos geopolíticos en el que cobran especial protagonismo la estrategua y las armas militares y la política.

En definitiva, Arechi ha empezado con buen pie con esta licencia , dándonos un primer tomo interesante y bien editado con sobrecubierta y gran calidad de papel. Una lectura ideal sobre todo para los interesados en las historias bélicas. d

¡Bienvenido al Mundo del Cómic! Si te interesa leer sobre el mundo del cómic, éste es tu sitio, un blog donde podrás encontrar reseñas e información sobre todo tipo de cómics. En el mundo del cómic hablaremos de todo tipo de obras y autores, desde el cómic europeo más tradicional, hasta los mangas más innovadores y transgresores sin olvidarnos del mainstream del cómic americano (Marvel y DC) y el mercado independiente. Un mención aparte merece el cómic español, del cual trataremos en profundidad, desde lo más clásico a los autores más relevantes que existen ahora en el panorama del cómic español.

Para ello hemos reunido a una serie de colaboradores que participarán de forma asidua en este proyecto que pretende simplemente difundir el noveno arte. Poco a poco los iréis conociendo al tiempo que descubriréis de su mano nuevas (y viejas) historias en viñetas que todo ávido lector de cómics debería conocer.