Sin duda alguna, Marvels. El ojo de la cámara es una obra cuya reedición estaban esperando muchos fans de la editorial, así que nosotros, como grandes seguidores de la Casa de las Ideas, no podíamos menos que dedicarle unas palabras con esta reseña.
Muchos la disfrutaron ya en su día cuando fue publicada por Panini en formato grapa. Esta nueva edición nos llega en formato cartoné de 152 páginas al precio de 20€, el cual incluye los seis números que componían esta serie.
Hoy vamos a reseñar Thor El Carnicero de Dioses, el primer volumen de la colección dedicada a recopilar todo el material del dios del Trueno. Guionizado por Jason Aroon, autor que se he encargado del personaje desde 2012, comenzando con los doce números incluidos en este tomo, hasta la actualidad, momento en el que toma el relevo otro de los guionistas más importantes de los últimos años, Donny Cates. Panini está realizando una gran labor a la hora de publicar las series más importantes que se iniciaron con Marvel Now!, reeditando diferentes colecciones en tomos de muy buena calidad entre las que se encuentran los Vengadores de Jonathan Hickman, el Capitán América de Rick Remender o el propio Thor de Aroon.
Marvel Now !
Este movimiento iniciado por la Casa de las Ideas hace ocho años conllevó un reinicio de todas las series de la editorial, donde nuevos equipos creativos se pondrían al frente de los principales héroes Marvel. La cabecera protagonizada por el Dios nórdico estaría realizada, a partir de ahora, por Jason Aroon, que ya había trabajado en otras colecciones como la de Lobezno o Hulk, y Esad Ribic, dibujante que ya había ilustrado la mitología de Asgard en Loki, junto a Robert Rodi. De esta forma, Axel Alonso, Director Editorial por aquellos años, ofreció a los autores más importantes del momento la posibilidad de escribir a los personajes con los que siempre habían soñado y Aroon, en particular, eligió, sin ninguna duda, a Thor, elaborando una de las etapas más memorables del personaje.
Influencias
Desde el principio, el guionista de Alabama intentó dejar su marca personal en la colección del Dios del Trueno, y para eso tomo como referencia e inspiración la obra de Matt Fraction, Las edades del trueno, conjunto de historias donde se narraban hechos ambientados en un pasado muy lejano, cuando Thor todavía era un joven orgulloso e inexperto. Varios relatos dibujados por Patrick Zircher y otros artistas que adaptaban sus estilos para desarrollar varios capítulos más cercanos a obras como Conan el Bárbaro que a las colecciones superheroicas típicas de Marvel. La influencia de la serie antes mencionada se apreció desde el principio no solo en el tono general de la cabecera, centrada especialmente en lo mitológico, sino también en la recuperación de un Thor mucho más cruel y mujeriego que aquel perteneciente a los Vengadores, ya digno del famoso Mjölnir
Sobre la obra
Aroon plantea esta historia en tres tiempos diferentes, pasado, presente y futuro. Tres líneas temporales unidas por la presencia de un ser cruel y poderoso, cuyo principal objetivo es acabar con todas las deidades del Universo Marvel. Gorr, el Carnicero de Dioses, sirve de hilo conductor para pasar por diferentes épocas en la vida de Thor, desde su juventud hasta su vejez. Los lectores seremos testigos de cómo los actos de este villano, asesinando a lo largo de las eras a todos los dioses posibles, afectarán a nuestro héroe, que debe eliminar a esta nueva amenaza antes de que sea demasiado tarde.
Es
asombrosa la capacidad del guionista de Alabama para hacer sentir al aficionado
el peligro que representa el Carnicero de Dioses, poniendo en verdaderos apuros
al Dios del Trueno en todas sus encarnaciones. Todo ello a través de una
historia alejada del tono superheroico habitual y centrada en la mitología y la
fantasía intrínseca en un personaje como Thor. Además, pese a la narración
dividida, un aspecto bastante original en esta trama, Aroon realiza una
excelente labor de estructuración haciendo que no nos perdamos en ningún
momento durante el trascurso de la aventura. Estamos ante un recurso muy
parecido al utilizado por el guionista en su Conan el Barbaro, donde a través de los números irá avanzando y
retrocediendo en el tiempo para contar relatos autoconclusivos del cimmerio
conectados por una historia general, que se va desarrollando lentamente.
Jason Aroon utiliza esta obra, Thor El Carnicero de Dioses, para profundizar en la religión y la necesidad de recurrir a seres omnipotentes como apoyo o ayuda en algunas circunstancias, profundizando, a su vez, en la vida de Gorr y las motivaciones que le llevaron a convertirse en un asesino de dioses. Son quizás las razones de este villano para hacer lo que hace uno de los pocos aspectos negativos de este magnífico arco argumental, resultando por lo general muy tópicas y predecibles.
Apartado artístico
Todos
conocemos de sobra el arte de Esad Ribic, el responsable de la mayoría de
números en este tomo. Su trabajo de nuevo es espectacular, ofreciendo un
apartado gráfico realista, a pesar de estar ilustrando una historia fantástica.
El dibujante croata potencia aun más la épica de la trama con sus lápices y
lleva a cabo viñetas imponentes que sorprenden en cada página. Por su parte,
Jackson Guice y Nic Klein realizan solo dos números de este volumen, ambos
caracterizados por un dibujo más sucio y con línea gruesa, que aunque no llega
al nivel de Ribic, cumple muy bien su cometido. Debemos destacar por último el
color de Ive Svorcina que encaja perfectamente con el tono general de toda la
obra.
Conclusiones
Con estos primeros doce números Aroon sentó las bases de su etapa en la colección protagonizada por el Poderoso Thor, realizando un arco argumental sorprendente, lleno de acción, violencia y pura mitología. Una trama general, que, reuniendo todas estas características, nos mostró el enfrentamiento entre el Dios del Trueno y el Carnicero de Dioses a través de diferentes momentos en la vida del personaje, presentándonos, por ejemplo, a ese Rey Thor que, en la actualidad, cuenta con una miniserie propia donde se cierra la larga estancia del guionista de Alabama junto a este héroe Marvel. Estamos por lo tanto, ante una obra totalmente recomendada tanto para aquellos que no hayan leído nada del personaje como para los fans más veteranos. Un tebeo que, además, cuenta con el arte sobresaliente de Esad Ribic, Nick Klein o Jackson Guice, consolidando, aun más la enorme calidad de estos números iniciales.
Estas últimas semanas he podido disfrutar de la relectura de una obra maestra: Barbarroja, El demonio del Caribe. Hay que reconocer que a día de hoy, los lectores somos muy afortunados de poder disponer de este material clásico. No tanto tiempo, acceder a este tipo de aventuras era algo impensable o muy difícil.
Series como Barbarroja, publicada originalmente en las páginas de la revista Din Dan de Bruguera, Michel Tanguy y Laverdure, Buck Danny o Ric Hochet, eran lecturas que se encontraban dispersas en distintos semanarios de Bruguera, o en albumes difíciles de conseguir y bastante caros.
Editoriales como Ponent Mont han conseguido poner al alcance del lector un material que los lectores españoles no habían visto públicado en una edición digna, bien traducida, cronológica y en color.
Barbarroja. Una historia de piratas.
Barbarroja es un personaje creado para la revista Pilote en el año 1959. Estamos en los inicios de este mítico semanario. La creación de este personaje corre a cargo de Jean Michel Charlier en los guiones y de Victor Hubinon en el apartado artístico.
En España tardaríamos algo más en ver las aventuras de Barbarroja . Su primera aparición es en la revista Din Dan en el primer número de la segunda época. Se publicaban 4 páginas por número y las historias estaban desordenadas, de forma que era algo caótico seguirlas.
El argumento.
En estos cómics asistimos a las aventuras de Barbarroja, el demonio del Caribe. Un temible pirata cruel y astuto. En 1715 su embarcación, el Halcón Negro, aborda un galeón español, y después de matar a toda la tripulación, se encuentran un niño, recien nacido, el cual al ver a Barbarroja le sonrie. En contra de la opinión del resto de los piratas, Barbarroja decide adoptar al niño y criarlo como suyo.
A lo largo de este primer álbum pasarán unos años y veremos como el chico crece, aprende las artes de la navegación y el manejo de las armas para finalmente corvertirse en un miembro de la tripulación del Halcón Negro.
Los personajes.
Aquí además de Barbarroja, vamos a tener a su hijo Eric, y a dos compañeros de aventuras: Babá, un negro forzudo y Tres Patas, un veterano marino, muy sabio, que en un principio hace las veces de maestro de un joven Eric. Por si os suenan,estos personajes son pariodados en las aventuras de Asterix, son los marinos que siempre que se encuentran con los galos ven destrozado su barco.
El desarrollo de la serie.
Si hablamos de piratas, hay que tener claro que estos se dedican a robar a matar gente. Barbarroja es un personaje sanguinario, el cual no duda en llevarse por delante a quien haga falta. Mata, saquea, roba y planea incursines continuamente contra ciudades costeras españolas e inglesas. Pero claro, su hijo es otra cosa. Rápidamente se desmarca de la senda de venganza y odio de Barbarroja y se irá a Londres a estudiar,en la Academia Real de la Marina , eso sí, acompañado de Babá y Tres Patas.
A pesar de no aceptar el modo de vida de su padre, seguirá manteniendo una estrecha relación con el y acudirán el uno al rescate del otro cuando estén en peligro.
Elementos técnicos.
Como ya vimos en la serie de Michel Tanguy y Laverdure, Charlier es una persona que se documenta al milímetro en todo lo que hace. Vamos a ver un montón de expresiones relacionadas con los barcos y con la navegación de la época. La composición de los barcos está muy bien descrita, tanto a nivel gráfico como describiendo las partes del mismo. La forma de navegar, las argucias de Barbarroja para despistar a los barcos que le persiguen… todo esto está minuciosamente detallado por el guionista.
Los estereotipos.
Sólamente veo un punto negativo de la serie. Y es que la visión que da Charlier de los españoles es un tanto negativa. Extramadamente crueles y tontos, caen en las trampas de Barbarroja y su hijo con mucha facilidad. Las expresiones que les dibuja Hubinon, la forma de solucionar ciertas aventuras, lo cierto es que no les deja en muy buen lugar. Los ingleses tampoco salen bien parados. Vamos a ver en una de las aventuras a un oficial inglés muy aficionado a empinar el codo. En fin.. son cosas de la época a la que tampoco hay que darle más vueltas pero me ha llamado la atención.
Valoración.
Hay dos formas de medir si una serie es buena,muy buena o lo siguiente, como es el caso que nos ocupa. Cuando lees un álbum, rápidamente te vas al siguiente. Es una serie que engancha, y mucho. Con Barbarroja, el demonio del Caribe pasa esto. Las historias son trepidantes, el suspense en el que se ven envueltos los personajes, la forma en que puedan salir de ciertos problemas, los giros argumentales tan habituales de Charlier, hacen que el lector mantenga el interés y este vaya creciendo a medida que avanza en la lectura.
En la actualidad dependemos tanto de las nuevas tecnologías, para diferentes aplicaciones y usos, que no parece descabellado el término Smart Girl aplicado a una asistente robótica personal, que hiciera de secretaria, agenda personal, sistema de comunicaciones, guardaespaldas e, incluso, juguete sexual de su propietario.
Precisamente con el nombre de lo que podría ser ese avance tecnológico, la primera obra como autor completo de Fernando Dagnino se centra en Yuki, un diseño de alto estándar de la macro empresa IMAI Tech; para regalarnos una obra de ciencia ficción que supone un nuevo enfoque a la duda existencial de lo que significa la vida artificial.
¿SUEÑAN LOS ANDROIDES CON ACCIDENTES DE AVIÓN?
Pese a contener todos los elementos clásicos del género, recordados por obras cumbre como Blade Runner o Ghost in the Shell; el autor madrileño Fernando Dagnino consigue, en sus primeros cinco álbumes, recogidos en un único integral en España por Evolution Comics; un enfoque fresco, sorprendente, sin duda filosófico y, cimentado con credibilidad en las pasiones humanas. El vicio, la corrupción, el amor, el consumismo y la tecnología al servicio del bienestar, se combinan con elementos oníricos o del subsconciente, incluso abordando aspectos como el trastorno de identidad o la amnesia. Todo orquestado con momentos de acción bien coregrafiados dentro de un guión de intriga que sólo pierde fuerza al acercarse el desenlace, sobre todo por la dispersión de personajes en la trama. Una confusión a la que no ayuda el blanco y negro, pero que merece la complejidad visto el resultado final y, sobre todo, una perspectiva global de la obra.
Por cierto, el accidente aéreo es el sueño recurrente que
persigue a esta sugerente robot y empoderada caja de sorpresas.
LA LIBERTAD PARA UN ROBOT
En cuanto a la historia de Smart Girl, I-Matter, podríamos
resumirla como la huida hacia la libertad de un androide obsoleto que sufre
errores relacionados con unos sueños emancipatorios. En un mundo aquejado por
la desigualdad y el desempleo causado por la automatización del trabajo, Yuki
lucha contra su programación y el amor a su propietario en una búsqueda de su
identidad y de su pasado, al mismo tiempo que una oscura conspiración azota la
empresa encargada de su creación.
Smart Girl madura en un
escenario verosímil, que debate las consecuencias morales y sociales del
desarrollo. Entretiene, al salpicar sexo
y acción casi superheroica, en un dibujo espectacular de Dagnino. Entre el
cómic de género negro y el manga ciberpunk, el apartado gráfico es exquisito,
con una distribución de viñetas propia del mejor tebeo europeo.
APARTADO GRÁFICO. CYBER NOIR
Currido en diversos títulos de DC, Dagnino consigue en su estreno como autor completo un destacado arte secuencial, coloreado en escala de grises por ordenador, a excepción de algunos pasajes del pasado o feed backs, en este caso a modo de lienzo.
Con un tratamiento noir que fusiona tecnología con
clasicismo, logra una composición dinámica en la distribución de viñetas, hasta
con narrativa secuencial a doble página. El dibujo muy bien llevado, abordando
escenarios con solvencia, tratando la acción con plasticidad y movimientos
ágiles. Con figuras de trazo sencillo pero bien proporcionado, vistos desde
planos y perspectivas muy efectistas en cada escena y que logran certeros
contrastes de los claroscuros.
ORIGINAL Y COPIA
En definitiva, Smart Girl es una
maravilla que espero consiga el éxito que merece por su enorme profundidad y
los varios niveles de lectura que permite. Aunque sin duda está inspirada en la
obra de autores como K. Dick, Asimov, Orwell; o Yuki nos evoca a la propia
Motoko Kusanagi creada por Shirow; no se limita a copiar y actualizar
conceptos, sino que arriesga en la incorporación de temas como el feminismo, la
alienación, el teletrabajo o, incluso, la aplicación de tratamientos
rejuvenecedores en nuestros cuerpos.
Hubiera relajado un poco más el desenlace final, para facilitar la compresión y creo que hubiera sido interesante una edición en color. A pesar de estos pequeños detalles una obra tan personal como esta merece nuestro más sincero aplauso y la esperanza de que tenga continuidad. Pues aunque pueda atragantarse a lectores de productos más sencillos o mayoritarios, supone una lectura inmersiva y más que satisfactoria para los amantes de este género.
Presentamos Banana Fish, una de las licencias más esperadas y demandadas por los aficionados, anunciada como novedad por Panini Manga en el pasado Salón de Barcelona. Ya tenemos publicados los dos primeros tomos (protagonistas de ésta reseña), esperándose el tercero a finales de febrero, para ir completando poco a poco la serie prevista de once volúmenes.
Sobre la obra.
Uno de los trabajos más reconocidos de la autora Akimi Yoshida, nacida en 1956 en Shibuya, Tokio. Banana Fish fue serializada en la revista nipona Bessatsu Shôjo Comic entre 1985 y 1994. Posteriormente sería publicada en 19 tomos “sencillos” (tankobon), además de varios suplementos.
La
propia autora publicó, en su momento, una historia corta, “Garden of
Light”, que está considerada como el epílogo oficial de la obra. No
sabemos si es que el final de la obra no es todo lo “redondo” o
“cerrado” que sería deseable (como ocurre, por ejemplo, con “20th
Century Boys” de Urasawa), habrá que esperar a la lectura del último
volumen para comprobarlo.
Tuvo su correspondiente adaptación al
anime, en el año 2018 por parte de la productora MAPPA, estando
disponibles sus 24 episodios en la plataforma Amazon Prime Video.
Edición.
Panini
Manga nos presenta la obra en formato de tomos “dobles”, “máximum” o
“de luxe” (como queramos denominarlo) en rústica con sobrecubiertas.
Estos dos primeros tomos tienen unas 370 páginas cada uno,
aproximadamente, con una medida de 15 x 21 cm, en blanco y negro, con un
precio aproximado de 16 euros.
Mencionaría aparte la, en mi
opinión, acertadísima elección del diseño de las sobrecubiertas. Ese
amarillo tan llamativo, en la totalidad de las mismas, que contrasta
magníficamente con el blanco y el negro que aparece, además de los
dibujos de portada y contraportada insertados en “partes” o fotogramas
de celuloide…hacen, en su conjunto, que el cliente que entre en la
librería o tienda de turno sea “atraído” por éste acertado diseño para,
al menos, acercarse y ojear el tomo.
Si quitamos las
sobrecubiertas nos queda un tomo como otros muchos del mercado: negro en
su totalidad, nada en la contraportada, y el mismo dibujo en la portada
que aparece en la misma de la sobrecubierta nada más que en blanco, al
igual que el rótulo principal.
Un detalle que me ha llamado
muchísimo la atención, por no ser habitual, es que la obra “carece de
capítulos”. Es decir, no está estructurada en capítulos, episodios o
secciones; sino que, directamente, el lector comienza a leer y, durante
la totalidad de estos dos primeros volúmenes, todo el relato se
desarrolla de forma continua.
Argumento.
Guerra de
Vietnam, década de los ’70. Un pequeño grupo de soldados norteamericanos
se encuentran en uno de los múltiples diseminados del país asiático. Un
extraño, por inesperado, y grave suceso va a producirse relacionado con
dos palabras…Banana Fish.
Posteriormente la “actualidad” de la
obra nos sitúa en el Nueva York de mediados de los ’80, unos quince años
después de los sucesos de Vietnam. Un chico muy joven es el líder de
una de las múltiples bandas de delincuentes, más o menos juveniles, que
abundan en la ciudad. Además de eso, éste joven mantiene una “especial”
relación con uno de los capos mafiosos más importantes de la ciudad.
Su
ya establecida relación va a dar un giro, o cambio de rumbo, provocado
por el “término” Banana Fish. Todo ello envuelto en un “ambiente” de
violencia, disparos, palizas, persecuciones, traiciones, engaños, etc.
Guión.
Sigue
los cánones clásicos de las obras de género “negro”, “policiaco” o
“noir” (como queramos denominarlo); aun no teniendo esa “atmósfera” del
género, como tienen los cómics europeos o americanos, al tratarse de un
manga.
Por lo tanto, aunque el guion no es nada extraordinario,
sí que cumple su cometido de desarrollar una trama clásica del género,
volvemos a repetir, donde (hasta el momento) tenemos la incertidumbre de
como el protagonista y los personajes secundarios que le acompañan,
podrán llevar a cabo las acciones que tienen planeadas y de como irán,
si es el caso, sorteando las dificultades que vayan encontrando.
Apartado gráfico.
Aquí
es donde la obra, en opinión del que suscribe, deja mucho que
desear…por no decir que fracasa estrepitosamente. Voy a circunscribirme a
lo que me he encontrado en estos dos primeros tomos y a mi opinión como
lector, sin cuestionar la valía o el reconocimiento que pueda tener la
autora por su trayectoria profesional y sin conocer cualquier otra obra
suya.
Pero es que el dibujo es, francamente, “flojo”. Con
independencia de que la autora, al menos en ésta obra, tenga un trazo
“sencillo” o de que refleje con más o menos fidelidad el estilo que, es
posible, se “utilizara” en la época en la que fue concebida la obra
(mediados de los ’80)…es que tiene varios aspectos bastante negativos.
De menor a mayor importancia:
– Hay numerosas viñetas cargadas, y recargadas en ocasiones, con bastante texto, sobre todo en relación con su tamaño.
–
Ausencia, prácticamente “total y absoluta”, de fondos. Ni en interiores
ni en exteriores. Escasean también, de manera llamativa, los detalles,
accesorios, instrumentos…elementos que pueden enriquecer el dibujo.
–
Los “bocadillos de diálogo” tienen un extremo tan exageradamente
diminuto que, en muchísimas ocasiones cuesta horrores saber que
personaje está diciendo lo que estamos leyendo.
– El más grave de
todos: los rostros. Muchos personajes son (aunque estamos en una obra
en blanco y negro) hombres de raza blanca con pelo rubio, se supone.
Pues bien… ¡tienen todos los mismos rostros! A no ser que tengan algún
bigote, o el corte de pelo muy diferente, llegan hasta a confundirse y
en un determinado momento no sabes quién es quién. Hay una viñeta
concreta donde el joven protagonista es introducido en un despacho por
dos funcionarios… ¡los tres tienen
la misma cara! Otro ejemplo:
hay dos japoneses que han llegado a la ciudad para realizar un trabajo y
pronto pasan a formar parte de los protagonistas; son un chico muy
joven y una persona más adulta; pues, salvo por el bigote del segundo…
¡son idénticos!
Conclusión.
La historia, sin ser nada extraordinaria, sin ser de aquellas que uno pueda llegar a recordar como de las mejores que ha leído, puede estar bien para los amantes del thriller. Sin embargo, los aspectos que no me han gustado en el apartado gráfico hacen que, al menos, no la recomiende encarecidamente.
Hoy vamos a hablar de Supermán Hijo Rojo, uno de los mejores elsewords no sólo de Supermán si no de la editorial Dc.
Argumento.
Son las seis de la mañana. Suena el teléfono. Lois Luthor atiende la llamada. Es Perry White advirtiéndola del próximo comunicado del presidente de los USA Ike Eisenhower. En Washington, el presidente anuncia que los soviéticos han revelado un arma secreta, un superhombre comunista, un arma que pone en jaque la posición de los Estados Unidos como potencia mundial.
Con esta noticia arranca Hijo Rojo, una historia enmarcada dentro de la serie Otros Mundos (Else Worlds) de DC. El escritor Mark Millar nos muestra lo que habría pasado si el cohete enviado desde Krypton no hubiera caído en Kansas, sino en una granja de Ucrania y cómo habría afectado este acontecimiento en plena guerra fría.
Contexto de la historia.
Los años siguientes a la Segunda Guerra Mundial estuvieron
marcados por el ascenso triunfal del comunismo en el mundo. Tanto fue
así que la llegada del paraíso comunista parecía a la vuelta de la
esquina. Todavía restarían unos años para que esta ilusión tornara en
decepción con la revolución de los países satélites de la URSS –la
Primavera de Praga – y que la Escuela de Fráncfort tomara distancia con
el socialismo ortodoxo, con el “socialismo realmente existente”.
Mientras, la sociedad americana – y no sólo ella – estuvo dominada por
la histeria, viendo comunistas y complots, reales o figurados, por todos
lados. Este es el contexto en el que Mark Millar nos inserta su
historia, transformando al gran icono de la cultura americana en un hijo
del proletariado.
En este mundo, Lois Lane es Lois Luthor, esposa de Lex Luthor el gran científico americano que pondrá su intelecto al servicio del gobierno americano para contrarrestar al gran héroe ruso; Diana, es la Hija de Hipólita, la reina de Isla Paraíso que mantendrá la neutralidad frente una posible unión al Pacto de Varsovia y la OTAN. Ahora bien, ¿y Batman? ¿A qué lugar queda relegado el tercer elemento de la trinidad deceíta? Batman es hijo de dos disidentes que son asesinados por imprimir panfletos contra el gran Hijo Rojo.
Estructura.
Una vez dispuestos los personajes en el tablero de juego, Millar se dispone a contarnos su historia, que se desarrolla en tres actos.
En el primero nos presenta a los actores, como ya hemos dicho. Superman es el hijo adoptivo de Stalin – hecho de acero –, que aquí aparece enormemente dulcificado y muy alejado de lo que realmente representó en la política rusa – una mezcla de comunismo y nacionalismo -.
En el siguiente, una vez que Superman ha alcanzado el poder tras la muerte de Koba, la historia se centra en una doble relación: el enfrentamiento con Batman dentro de su órbita de poder y con Luthor, en el exterior.
En el tercer y último capítulo, Millar nos mostrará a un Superman envejecido, líder de un mundo comunista, a excepción de los USA, que cual aldea gala, resiste a la opresión exterior que quiere acabar con su american way of life.
Las incongruencias del personaje.
El principal problema de Supermán Hijo Rojo proviene de los límites impuestos, bien por el autor, bien por la editorial en convertir a Superman en un designador rígido kripkeano, lo que casa malamente con la grandiosidad del planteamiento inicial (¿qué hubiera pasado si Superman hubiera nacido comunista?).
Y es que Superman, un producto capitalista creado para justificar el sistema corrigiendo sus incongruencias, no puede mantener su sentido icónico en una sociedad marxista y por ende, las costuras acaban rompiendo en alguna de las partes que componen el traje, de ahí que veamos afirmar a Superman no ser un soldado, sino que lucha por lo correcto o ver al Hombre de Acero frenarse ante el anillo de casada de Lois Luthor: la cuadratura del círculo es, en definitiva, imposible. Millar nos ofrece un Superman estajanovista, un gobernante autoritario, que intenta controlarlo todo por eso lo más correcto habría sido titular a esta obra como Superman Monarca Absoluto o Superman el Déspota Ilustrado más que Hijo Rojo.
Las incongruencias a las que se ve sometida el
personaje no pueden acabar de otra forma más que con un Superman
sufriendo la paradoja del superyó – contra más obedeces, más culpable
eres -, con lo que llegamos al primer final de la historia, quedando un
segundo como estrambote, propio de la ciencia ficción.
Sin
embargo, démosle la vuelta a la cuestión. Esto que no parecen más que
defectos y/o deficiencias del autor a la hora de caracterizar el
comunismo ruso o fielatos a pagar al usar a un personaje icónico como
Superman también nos “lleva a cobrar conciencia de cómo la figura de
Superman está fuertemente arraigada en el universo ideológico americano”
(Problemas en el paraíso, Slavo Zizek, p.271, ed. Anagrama, 2016), ya
que como dice Zizek, tenemos la sensación de que algo no funciona.
Apartado gráfico.
El dibujo de Jhonson y Robinson es muy bueno, con una narrativa fluida, inteligible y con unas portadas espectaculares, que intentan imitar los carteles propagandísticos de la antigua Unión Soviética: las portadas son, sencillamente, sobresalientes.
Conclusión.
Supermán Hijo Rojo es una buena historieta. Que Millar no sea Alan Moore no implica que la misma, si hacemos abstracción de lo político social, no sea notable. Porque la historia, en sí misma, está bien. Es un tebeo recomendable, con el maltrato propio que a Millar le gusta someter a los personajes clásicos, como puede ser en este caso Wonder Woman y con una ilustración que no desmerece la obra.
En síntesis, a pesar del trampantojo que nos presenta Millar con el título, nos encontramos con un buen tebeo, merecedor de un formato en cartoné, premio que, por desgracia es tan fácil alcanzar en la actualidad.
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