Crimen Perfecto

Crimen Perfecto

Reseñamos en ésta ocasión los tres primeros tomos, únicos publicados hasta el momento, de Crimen Perfecto . Se trata de un thriller psicológico que podemos disfrutar gracias a la labor de Norma Editorial. El cuarto tomo está previsto que aparezca en el mercado en los primeros días del próximo mes de febrero.

Acerca de la obra.

Funouhan, su título original en Japón, es una obra creada por el guionista Arata Miyatsuki y el dibujante Yuya Kanzaki.

Crimen Perfecto (como así ha sido denominada en nuestro país) comenzó su serialización en la revista japonesa Grand Jump, de la prestigiosa editorial Shueisha, en 2013.

Es una obra que actualmente se encuentra “abierta”, habiéndose publicado hasta el momento 10 tomos.

Edición.

Norma Editorial nos presenta la obra en formato de tomos “sencillos” (tankôbon) en rústica con sobrecubiertas. Estos tres primeros tomos tienen de 190 a 200 páginas cada uno, aproximadamente, con una medida de 13 x 18’2 cm, en blanco y negro, y un precio 9 euros a partir del próximo cuarto tomo, tras la pequeña subida de precios de los mangas de Norma para éste año 2020 (los tres primeros tienen un precio de 8’50 euros).

Las sobrecubiertas tienen una acertada combinación de colores negro y rojo (a pesar de ser una combinación muy utilizada, nada original, ya que combinan muy bien estos dos colores). Negro para la totalidad de los fondos y rojo para el título de la obra, numeración del tomo, sello de la editorial y color de la camisa del protagonista, en la portada; y para el título y nombres de los autores en los lomos. La contraportada lleva una imagen relacionada con la obra y una pequeña sinopsis. Una de las solapas interiores, una imagen del protagonista.

Si quitamos las sobrecubiertas nos queda un tomo como otros muchos del mercado: negro en su totalidad, nada en la contraportada, y el mismo dibujo en la portada que aparece en la misma de la sobrecubierta nada más que en blanco, al igual que el rótulo principal. Salvo el tercer tomo que, curiosamente, su portada no tiene fondo negro sino un fondo gris atravesado, en diagonal, por una gran franja blanca.

Como encargado de la traducción, figura de las que se habla muy poco aun haciendo un trabajo imprescindible para que podamos tener éstas obras entre nuestras manos, tenemos a Emilio Ros.

Argumento.

Ya no existen, en las ciudades en las que vivimos (sean más grandes o más pequeñas) “cabinas telefónicas”, y si existiera alguna ya estaría en desuso o sin servicio, ¿verdad?, ¿o no?, ¿tenéis localizada alguna todavía?

Pues ésta es, precisamente, una de las premisas con las que comienza Crimen Perfecto. En una determinada ciudad existe una cabina telefónica abandonada donde la gente, quien quiera o quien “lo necesite”, puede dejar un mensaje para que sea “atendido” por el protagonista principal de la obra.

Siguiendo con nuestra “costumbre” de no hacer ningún tipo de spoiler, diremos que el citado protagonista no es un individuo “corriente” y que los trabajos que va a realizar, encargados por las personas que contactan con él, tampoco son “corrientes”.

Pero es que además, y aquí encontramos la gran “particularidad” del guion, es que el modo, o la forma, que va a utilizar para llevar a cabo sus trabajos… ¡tampoco es nada “corriente”!

Crimen Perfecto

Guión.

Comenzamos la lectura de Crimen Perfecto y, de inmediato, cuando llevamos leídos los dos o tres capítulos primeros, nos damos cuenta de que podríamos hablar de “historias cortas”, una por capítulo. Todas siguen la misma “estructura”, determinadas (eso sí, siempre “variadas”) personas contactan con el protagonista, le exponen cuál es su “deseo” (cuál es el “encargo”) y el protagonista lo lleva a cabo.

Esto nos podría llevar a pensar que la obra es aburrida, por repetitiva, ya que en cada capítulo sabemos que nos vamos a encontrar. Sin embargo, esto no ocurre en ningún momento, ya que el guionista juega con la característica principal y única que tiene el protagonista para llevar a cabo los encargos, manteniendo siempre alto el interés, y el nivel de atención, porque no sabemos cómo se van a desarrollar los acontecimientos.

Pero eso no es todo, durante el transcurso de cada capítulo (en unos más y en otros menos), y hablamos del conjunto de los tres tomos, el guion siempre ofrece determinados “giros”, sorprendentes muchos de ellos, que hacen que los sucesos ocurridos no sean como el lector espera.

Por lo tanto, aunque con la lectura ya finalizada del tercer tomo el lector ya va “acostumbrándose” un poco, estos giros y sorpresas del guion siguen “funcionando” muy bien.

Crimen Perfecto

Apartado gráfico.

El dibujo de Kanzaki es bastante bueno, muy “compenetrado” con el guion, nos permite seguir la historia manteniendo la intriga e incertidumbre que comentábamos anteriormente.

Al principio parece que no tiene muchos detalles, que es sobrio en éste aspecto, sin embargo enseguida apreciamos que esto no es así. Destacaríamos el amplio repertorio de expresiones para los rostros de los personajes.

Otro detalle a tener en cuenta es que apenas hay viñetas muy pequeñas, lo cual se agradece, porque debido a las pequeñas dimensiones de estos tomos si aparecen muchas viñetas de poco tamaño, donde los bocadillos son a veces muy pequeños, la lectura se hace difícil a veces.

Crimen Perfecto

Conclusión.

Hasta el momento (nos referimos a los tres tomos publicados) la obra está resultando interesante, sobre todo porque cada capítulo está resolviéndose con bastante originalidad.

Partiendo de ésta premisa podríamos considerar Crimen Perfecto como “recomendable”. La duda que nos queda, y no es baladí o poco importante dado que la obra sigue abierta después de diez tomos, por lo que no va a ser corta precisamente, es si mantendrá ese interés en sucesivas entregas o se volverá muy repetitivo.

Antonio Mompeán.

Marvels. El ojo de la cámara

Marvels. El ojo de la cámara

Sin duda alguna, Marvels. El ojo de la cámara es una obra cuya reedición estaban esperando muchos fans de la editorial, así que nosotros, como grandes seguidores de la Casa de las Ideas, no podíamos menos que dedicarle unas palabras con esta reseña.

Muchos la disfrutaron ya en su día cuando fue publicada por Panini en formato grapa. Esta nueva edición nos llega en formato cartoné de 152 páginas al precio de 20€, el cual incluye los seis números que componían esta serie.

(más…)
Reseña Thor El Carnicero de Dioses

Reseña Thor El Carnicero de Dioses

Hoy vamos a reseñar Thor El Carnicero de Dioses, el primer volumen de la colección dedicada a recopilar todo el material del dios del Trueno. Guionizado por Jason Aroon, autor que se he encargado del personaje desde 2012, comenzando con los doce números incluidos en este tomo, hasta la actualidad, momento en el que toma el relevo otro de los guionistas más importantes de los últimos años, Donny Cates.
Panini está realizando una gran labor a la hora de publicar las series más importantes que se iniciaron con Marvel Now!, reeditando diferentes colecciones en tomos de muy buena calidad entre las que se encuentran los Vengadores de Jonathan Hickman, el Capitán América de Rick Remender o el propio Thor de Aroon.

Marvel Now !

Este movimiento iniciado por la Casa de las Ideas hace ocho años conllevó un reinicio de todas las series de la editorial, donde nuevos equipos creativos se pondrían al frente de los principales héroes Marvel.
La cabecera protagonizada por el Dios nórdico estaría realizada, a partir de ahora, por Jason Aroon, que ya había trabajado en otras colecciones como la de Lobezno o Hulk, y Esad Ribic, dibujante que ya había ilustrado la mitología de Asgard en Loki, junto a Robert Rodi.
De esta forma, Axel Alonso, Director Editorial por aquellos años, ofreció a los autores más importantes del momento la posibilidad de escribir a los personajes con los que siempre habían soñado y Aroon, en particular, eligió, sin ninguna duda, a Thor, elaborando una de las etapas más memorables del personaje.

Thor El Carnicero de Dioses

Influencias

Desde el principio, el guionista de Alabama intentó dejar su marca personal en la colección del Dios del Trueno, y para eso tomo como referencia e inspiración la obra de Matt Fraction, Las edades del trueno, conjunto de historias donde se narraban hechos ambientados en un pasado muy lejano, cuando Thor todavía era un joven orgulloso e inexperto.
Varios relatos dibujados por Patrick Zircher y otros artistas que adaptaban sus estilos para desarrollar varios capítulos más cercanos a obras como Conan el Bárbaro que a las colecciones superheroicas típicas de Marvel. La influencia de la serie antes mencionada se apreció desde el principio no solo en el tono general de la cabecera, centrada especialmente en lo mitológico, sino también en la recuperación de un Thor mucho más cruel y mujeriego que aquel perteneciente a los Vengadores, ya digno del famoso Mjölnir

Sobre la obra

Aroon plantea esta historia en tres tiempos diferentes, pasado, presente y futuro. Tres líneas temporales unidas por la presencia de un ser cruel y poderoso, cuyo principal objetivo es acabar con todas las deidades del Universo Marvel. Gorr, el Carnicero de Dioses, sirve de hilo conductor para pasar por diferentes épocas en la vida de Thor, desde su juventud hasta su vejez. Los lectores seremos testigos de cómo los actos de este villano, asesinando a lo largo de las eras a todos los dioses posibles, afectarán a nuestro héroe, que debe eliminar a esta nueva amenaza antes de que sea demasiado tarde.

Es asombrosa la capacidad del guionista de Alabama para hacer sentir al aficionado el peligro que representa el Carnicero de Dioses, poniendo en verdaderos apuros al Dios del Trueno en todas sus encarnaciones. Todo ello a través de una historia alejada del tono superheroico habitual y centrada en la mitología y la fantasía intrínseca en un personaje como Thor. Además, pese a la narración dividida, un aspecto bastante original en esta trama, Aroon realiza una excelente labor de estructuración haciendo que no nos perdamos en ningún momento durante el trascurso de la aventura. Estamos ante un recurso muy parecido al utilizado por el guionista en su Conan el Barbaro, donde a través de los números irá avanzando y retrocediendo en el tiempo para contar relatos autoconclusivos del cimmerio conectados por una historia general, que se va desarrollando lentamente.

Thor El Carnicero de Dioses

Jason Aroon utiliza esta obra, Thor El Carnicero de Dioses, para profundizar en la religión y la necesidad de recurrir a seres omnipotentes como apoyo o ayuda en algunas circunstancias, profundizando, a su vez, en la vida de Gorr y las motivaciones que le llevaron a convertirse en un asesino de dioses. Son quizás las razones de este villano para hacer lo que hace uno de los pocos aspectos negativos de este magnífico arco argumental, resultando por lo general muy tópicas y predecibles.

Apartado artístico

Todos conocemos de sobra el arte de Esad Ribic, el responsable de la mayoría de números en este tomo. Su trabajo de nuevo es espectacular, ofreciendo un apartado gráfico realista, a pesar de estar ilustrando una historia fantástica. El dibujante croata potencia aun más la épica de la trama con sus lápices y lleva a cabo viñetas imponentes que sorprenden en cada página. Por su parte, Jackson Guice y Nic Klein realizan solo dos números de este volumen, ambos caracterizados por un dibujo más sucio y con línea gruesa, que aunque no llega al nivel de Ribic, cumple muy bien su cometido. Debemos destacar por último el color de Ive Svorcina que encaja perfectamente con el tono general de toda la obra.  

Thor el Carnicero de Dioses

Conclusiones

Con estos primeros doce números Aroon sentó las bases de su etapa en la colección protagonizada por el Poderoso Thor, realizando un arco argumental sorprendente, lleno de acción, violencia y pura mitología. Una trama general, que, reuniendo todas estas características, nos mostró el enfrentamiento entre el Dios del Trueno y el Carnicero de Dioses a través de diferentes momentos en la vida del personaje, presentándonos, por ejemplo, a ese Rey Thor que, en la actualidad, cuenta con una miniserie propia donde se cierra la larga estancia del guionista de Alabama junto a este héroe Marvel. Estamos por lo tanto, ante una obra totalmente recomendada tanto para aquellos que no hayan leído nada del personaje como para los fans más veteranos. Un tebeo que, además, cuenta con el arte sobresaliente de Esad Ribic, Nick Klein o Jackson Guice, consolidando, aun más la enorme calidad de estos números iniciales.

Barbarroja  El demonio del Caribe

Barbarroja El demonio del Caribe

Estas últimas semanas he podido disfrutar de la relectura de una obra maestra: Barbarroja, El demonio del Caribe.
Hay que reconocer que a día de hoy, los lectores somos muy afortunados de poder disponer de este material clásico.
No tanto tiempo, acceder a este tipo de aventuras era algo impensable o muy difícil.

Series como Barbarroja, publicada originalmente en las páginas de la revista Din Dan de Bruguera, Michel Tanguy y Laverdure, Buck Danny o Ric Hochet, eran lecturas que se encontraban dispersas en distintos semanarios de Bruguera, o en albumes difíciles de conseguir y bastante caros.

Editoriales como Ponent Mont han conseguido poner al alcance del lector un material que los lectores españoles no habían visto públicado en una edición digna, bien traducida, cronológica y en color.

Barbarroja. Una historia de piratas.

Barbarroja es un personaje creado para la revista Pilote en el año 1959.
Estamos en los inicios de este mítico semanario. La creación de este personaje corre a cargo de Jean Michel Charlier en los guiones y de Victor Hubinon en el apartado artístico.

En España tardaríamos algo más en ver las aventuras de Barbarroja . Su primera aparición es en la revista Din Dan en el primer número de la segunda época.
Se publicaban 4 páginas por número y las historias estaban desordenadas, de forma que era algo caótico seguirlas.

Barbarroja

El argumento.

En estos cómics asistimos a las aventuras de Barbarroja, el demonio del Caribe. Un temible pirata cruel y astuto.
En 1715 su embarcación, el Halcón Negro, aborda un galeón español, y después de matar a toda la tripulación, se encuentran un niño, recien nacido, el cual al ver a Barbarroja le sonrie.
En contra de la opinión del resto de los piratas, Barbarroja decide adoptar al niño y criarlo como suyo.

A lo largo de este primer álbum pasarán unos años y veremos como el chico crece, aprende las artes de la navegación y el manejo de las armas para finalmente corvertirse en un miembro de la tripulación del Halcón Negro.


Los personajes.

Aquí además de Barbarroja, vamos a tener a su hijo Eric, y a dos compañeros de aventuras: Babá, un negro forzudo y Tres Patas, un veterano marino, muy sabio, que en un principio hace las veces de maestro de un joven Eric.
Por si os suenan,estos personajes son pariodados en las aventuras de Asterix, son los marinos que siempre que se encuentran con los galos ven destrozado su barco.

Barbarroja el demonio del Caribe

El desarrollo de la serie.

Si hablamos de piratas, hay que tener claro que estos se dedican a robar a matar gente. Barbarroja es un personaje sanguinario, el cual no duda en llevarse por delante a quien haga falta.
Mata, saquea, roba y planea incursines continuamente contra ciudades costeras españolas e inglesas.
Pero claro, su hijo es otra cosa. Rápidamente se desmarca de la senda de venganza y odio de Barbarroja y se irá a Londres a estudiar,en la Academia Real de la Marina , eso sí, acompañado de Babá y Tres Patas.

A pesar de no aceptar el modo de vida de su padre, seguirá manteniendo una estrecha relación con el y acudirán el uno al rescate del otro cuando estén en peligro.

Elementos técnicos.

Como ya vimos en la serie de Michel Tanguy y Laverdure, Charlier es una persona que se documenta al milímetro en todo lo que hace.
Vamos a ver un montón de expresiones relacionadas con los barcos y con la navegación de la época.
La composición de los barcos está muy bien descrita, tanto a nivel gráfico como describiendo las partes del mismo.
La forma de navegar, las argucias de Barbarroja para despistar a los barcos que le persiguen… todo esto está minuciosamente detallado por el guionista.

Barbarroja el demonio del Caribe

Los estereotipos.

Sólamente veo un punto negativo de la serie. Y es que la visión que da Charlier de los españoles es un tanto negativa.
Extramadamente crueles y tontos, caen en las trampas de Barbarroja y su hijo con mucha facilidad.
Las expresiones que les dibuja Hubinon, la forma de solucionar ciertas aventuras, lo cierto es que no les deja en muy buen lugar.
Los ingleses tampoco salen bien parados. Vamos a ver en una de las aventuras a un oficial inglés muy aficionado a empinar el codo.
En fin.. son cosas de la época a la que tampoco hay que darle más vueltas pero me ha llamado la atención.

Valoración.

Hay dos formas de medir si una serie es buena,muy buena o lo siguiente, como es el caso que nos ocupa.
Cuando lees un álbum, rápidamente te vas al siguiente. Es una serie que engancha, y mucho.
Con Barbarroja, el demonio del Caribe pasa esto.
Las historias son trepidantes, el suspense en el que se ven envueltos los personajes, la forma en que puedan salir de ciertos problemas, los giros argumentales tan habituales de Charlier, hacen que el lector mantenga el interés y este vaya creciendo a medida que avanza en la lectura.

Smart Girl

Smart Girl

En la actualidad dependemos tanto de las nuevas tecnologías, para  diferentes aplicaciones y usos, que no parece descabellado el término Smart Girl aplicado a una asistente robótica personal, que hiciera de secretaria, agenda personal, sistema de comunicaciones, guardaespaldas e, incluso, juguete sexual de su propietario.

Precisamente con el nombre de lo que podría ser ese avance tecnológico, la primera obra como autor completo de Fernando Dagnino se centra en Yuki, un diseño de alto estándar de la macro empresa IMAI Tech; para  regalarnos una obra de ciencia ficción que supone un nuevo enfoque a la duda existencial de lo que significa la vida artificial.

Smart Girl

¿SUEÑAN LOS ANDROIDES CON ACCIDENTES DE AVIÓN?

Pese a contener todos los elementos clásicos del género, recordados por obras cumbre como Blade Runner o Ghost in the Shell; el autor madrileño Fernando Dagnino consigue, en sus primeros cinco álbumes, recogidos en un único integral en España por Evolution Comics; un enfoque fresco, sorprendente, sin duda filosófico y, cimentado con credibilidad en las pasiones humanas.
El vicio, la corrupción, el amor, el consumismo y la tecnología al servicio del bienestar, se combinan con elementos oníricos o del subsconciente, incluso abordando aspectos como el trastorno  de identidad o la amnesia. Todo orquestado con momentos de  acción bien coregrafiados dentro de un guión de intriga que sólo pierde fuerza al acercarse el desenlace, sobre todo por la dispersión de personajes en la trama. Una confusión a la que no ayuda el blanco y negro, pero que merece la complejidad visto el resultado final y, sobre todo, una perspectiva global de la obra.

Por cierto, el accidente aéreo es el sueño recurrente que persigue a esta sugerente robot y empoderada caja de sorpresas.

Smart Girl

LA LIBERTAD PARA UN ROBOT

En cuanto a la historia de Smart Girl, I-Matter, podríamos resumirla como la huida hacia la libertad de un androide obsoleto que sufre errores relacionados con unos sueños emancipatorios. En un mundo aquejado por la desigualdad y el desempleo causado por la automatización del trabajo, Yuki lucha contra su programación y el amor a su propietario en una búsqueda de su identidad y de su pasado, al mismo tiempo que una oscura conspiración azota la empresa encargada de su creación.

Smart Girl madura en un  escenario verosímil, que debate las consecuencias morales y sociales del desarrollo.  Entretiene, al salpicar sexo y acción casi superheroica, en un dibujo espectacular de Dagnino. Entre el cómic de género negro y el manga ciberpunk, el apartado gráfico es exquisito, con una distribución de viñetas propia del mejor tebeo europeo.

APARTADO GRÁFICO. CYBER NOIR

Currido en diversos títulos de DC, Dagnino consigue en su estreno como autor completo un destacado arte secuencial,  coloreado en escala de grises por ordenador, a excepción de algunos pasajes del pasado o feed backs, en este caso a modo de lienzo.

Con un tratamiento noir que fusiona tecnología con clasicismo, logra una composición dinámica en la distribución de viñetas, hasta con narrativa secuencial a doble página. El dibujo muy bien llevado, abordando escenarios con solvencia, tratando la acción con plasticidad y movimientos ágiles. Con figuras de trazo sencillo pero bien proporcionado, vistos desde planos y perspectivas muy efectistas en cada escena y que logran certeros contrastes de los claroscuros.

Smart Girl

ORIGINAL Y COPIA

En definitiva, Smart Girl es una maravilla que espero consiga el éxito que merece por su enorme profundidad y los varios niveles de lectura que permite. Aunque sin duda está inspirada en la obra de autores como K. Dick, Asimov, Orwell; o Yuki nos evoca a la propia Motoko Kusanagi creada por Shirow; no se limita a copiar y actualizar conceptos, sino que arriesga en la incorporación de temas como el feminismo, la alienación, el teletrabajo o, incluso, la aplicación de tratamientos rejuvenecedores en nuestros cuerpos.

Hubiera relajado un poco más el desenlace final, para facilitar la compresión y creo que hubiera sido interesante una edición en color.
A pesar de estos pequeños detalles una obra tan personal como esta merece nuestro más sincero aplauso y la esperanza de que tenga continuidad. Pues aunque pueda atragantarse a lectores de productos más sencillos o mayoritarios, supone una lectura inmersiva y más que satisfactoria para los amantes de este género.

Francisco Amador.

Banana Fish

Banana Fish

Presentamos Banana Fish, una de las licencias más esperadas y demandadas por los aficionados, anunciada como novedad por Panini Manga en el pasado Salón de Barcelona. Ya tenemos publicados los dos primeros tomos (protagonistas de ésta reseña), esperándose el tercero a finales de febrero, para ir completando poco a poco la serie prevista de once volúmenes.

Sobre la obra.

Uno de los trabajos más reconocidos de la autora Akimi Yoshida, nacida en 1956 en Shibuya, Tokio. Banana Fish fue serializada en la revista nipona Bessatsu Shôjo Comic entre 1985 y 1994. Posteriormente sería publicada en 19 tomos “sencillos” (tankobon), además de varios suplementos.

La propia autora publicó, en su momento, una historia corta, “Garden of Light”, que está considerada como el epílogo oficial de la obra. No sabemos si es que el final de la obra no es todo lo “redondo” o “cerrado” que sería deseable (como ocurre, por ejemplo, con “20th Century Boys” de Urasawa), habrá que esperar a la lectura del último volumen para comprobarlo.

Tuvo su correspondiente adaptación al anime, en el año 2018 por parte de la productora MAPPA, estando disponibles sus 24 episodios en la plataforma Amazon Prime Video.

Edición.

Panini Manga nos presenta la obra en formato de tomos “dobles”, “máximum” o “de luxe” (como queramos denominarlo) en rústica con sobrecubiertas. Estos dos primeros tomos tienen unas 370 páginas cada uno, aproximadamente, con una medida de 15 x 21 cm, en blanco y negro, con un precio aproximado de 16 euros.

Mencionaría aparte la, en mi opinión, acertadísima elección del diseño de las sobrecubiertas. Ese amarillo tan llamativo, en la totalidad de las mismas, que contrasta magníficamente con el blanco y el negro que aparece, además de los dibujos de portada y contraportada insertados en “partes” o fotogramas de celuloide…hacen, en su conjunto, que el cliente que entre en la librería o tienda de turno sea “atraído” por éste acertado diseño para, al menos, acercarse y ojear el tomo.

Si quitamos las sobrecubiertas nos queda un tomo como otros muchos del mercado: negro en su totalidad, nada en la contraportada, y el mismo dibujo en la portada que aparece en la misma de la sobrecubierta nada más que en blanco, al igual que el rótulo principal.

Un detalle que me ha llamado muchísimo la atención, por no ser habitual, es que la obra “carece de capítulos”. Es decir, no está estructurada en capítulos, episodios o secciones; sino que, directamente, el lector comienza a leer y, durante la totalidad de estos dos primeros volúmenes, todo el relato se desarrolla de forma continua.

Argumento.

Guerra de Vietnam, década de los ’70. Un pequeño grupo de soldados norteamericanos se encuentran en uno de los múltiples diseminados del país asiático. Un extraño, por inesperado, y grave suceso va a producirse relacionado con dos palabras…Banana Fish.

Posteriormente la “actualidad” de la obra nos sitúa en el Nueva York de mediados de los ’80, unos quince años después de los sucesos de Vietnam. Un chico muy joven es el líder de una de las múltiples bandas de delincuentes, más o menos juveniles, que abundan en la ciudad. Además de eso, éste joven mantiene una “especial” relación con uno de los capos mafiosos más importantes de la ciudad.

Su ya establecida relación va a dar un giro, o cambio de rumbo, provocado por el “término” Banana Fish. Todo ello envuelto en un “ambiente” de violencia, disparos, palizas, persecuciones, traiciones, engaños, etc.

Banana Fish

Guión.

Sigue los cánones clásicos de las obras de género “negro”, “policiaco” o “noir” (como queramos denominarlo); aun no teniendo esa “atmósfera” del género, como tienen los cómics europeos o americanos, al tratarse de un manga.

Por lo tanto, aunque el guion no es nada extraordinario, sí que cumple su cometido de desarrollar una trama clásica del género, volvemos a repetir, donde (hasta el momento) tenemos la incertidumbre de como el protagonista y los personajes secundarios que le acompañan, podrán llevar a cabo las acciones que tienen planeadas y de como irán, si es el caso, sorteando las dificultades que vayan encontrando.

Banana Fish

Apartado gráfico.

Aquí es donde la obra, en opinión del que suscribe, deja mucho que desear…por no decir que fracasa estrepitosamente. Voy a circunscribirme a lo que me he encontrado en estos dos primeros tomos y a mi opinión como lector, sin cuestionar la valía o el reconocimiento que pueda tener la autora por su trayectoria profesional y sin conocer cualquier otra obra suya.

Pero es que el dibujo es, francamente, “flojo”. Con independencia de que la autora, al menos en ésta obra, tenga un trazo “sencillo” o de que refleje con más o menos fidelidad el estilo que, es posible, se “utilizara” en la época en la que fue concebida la obra (mediados de los ’80)…es que tiene varios aspectos bastante negativos.

De menor a mayor importancia:

– Hay numerosas viñetas cargadas, y recargadas en ocasiones, con bastante texto, sobre todo en relación con su tamaño.

– Ausencia, prácticamente “total y absoluta”, de fondos. Ni en interiores ni en exteriores. Escasean también, de manera llamativa, los detalles, accesorios, instrumentos…elementos que pueden enriquecer el dibujo.

– Los “bocadillos de diálogo” tienen un extremo tan exageradamente diminuto que, en muchísimas ocasiones cuesta horrores saber que personaje está diciendo lo que estamos leyendo.

– El más grave de todos: los rostros. Muchos personajes son (aunque estamos en una obra en blanco y negro) hombres de raza blanca con pelo rubio, se supone. Pues bien… ¡tienen todos los mismos rostros! A no ser que tengan algún bigote, o el corte de pelo muy diferente, llegan hasta a confundirse y en un determinado momento no sabes quién es quién. Hay una viñeta concreta donde el joven protagonista es introducido en un despacho por dos funcionarios… ¡los tres tienen

la misma cara! Otro ejemplo: hay dos japoneses que han llegado a la ciudad para realizar un trabajo y pronto pasan a formar parte de los protagonistas; son un chico muy joven y una persona más adulta; pues, salvo por el bigote del segundo… ¡son idénticos!

Banana Fish

Conclusión.

La historia, sin ser nada extraordinaria, sin ser de aquellas que uno pueda llegar a recordar como de las mejores que ha leído, puede estar bien para los amantes del thriller. Sin embargo, los aspectos que no me han gustado en el apartado gráfico hacen que, al menos, no la recomiende encarecidamente.

Antonio Mompeán Mayol.

¡Bienvenido al Mundo del Cómic! Si te interesa leer sobre el mundo del cómic, éste es tu sitio, un blog donde podrás encontrar reseñas e información sobre todo tipo de cómics. En el mundo del cómic hablaremos de todo tipo de obras y autores, desde el cómic europeo más tradicional, hasta los mangas más innovadores y transgresores sin olvidarnos del mainstream del cómic americano (Marvel y DC) y el mercado independiente. Un mención aparte merece el cómic español, del cual trataremos en profundidad, desde lo más clásico a los autores más relevantes que existen ahora en el panorama del cómic español.

Para ello hemos reunido a una serie de colaboradores que participarán de forma asidua en este proyecto que pretende simplemente difundir el noveno arte. Poco a poco los iréis conociendo al tiempo que descubriréis de su mano nuevas (y viejas) historias en viñetas que todo ávido lector de cómics debería conocer.